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Pensando como un fotógrafo: Cuando la observación es más importante que el software

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A medida que la tecnología avanza, se introducen nuevas características que a veces parece que pueden sustituir a los artistas. Entonces, ¿es el software más importante que el artista? Es una pregunta válida en el mundo de la CG. En mi experiencia, no importa cuán bueno o avanzado sea el software, no hay forma de superar a un artista bueno y hábil. Una de las habilidades que he encontrado increíblemente útil es ser capaz de pensar y trabajar como un fotógrafo o un cineasta aunque estés usando herramientas digitales.

Mi viaje a la fotografía

Hace varios años, antes de involucrarme en la industria de la CG, realmente quería ser fotógrafo. Me obsesioné con las técnicas e incluso llegué a revelar mis propias fotos en un “cuarto oscuro de la guerrilla” en casa. Compré equipo usado para practicar y leer cada artículo, libro o tutorial relacionado con cámaras y lentes. Aprender fotografía es más que aprender técnicas. Es aprender un nuevo lenguaje, con sus propios términos y reglas. Mirando hacia atrás, estoy muy contento de haber aprendido estas reglas a una edad muy temprana en la vida y ser capaz de entenderlas de una manera más orgánica y natural.Algunos de los términos clave que debes saber son profundidad de campo, lentes, velocidad de obturación e ISO. Pero lo más importante es entender cómo funcionan todos juntos. O, las reglas. Conocerlas te ayudará a tener una idea de cómo debe verse una imagen cuando es correcta. Cuando empecé a entrar en la industria de la CG, pude usar mis conocimientos de fotografía para controlar la salida final de la cámara virtual. Una vez que descubrí la parte técnica de la fotografía, empecé a aprender algunos de los procesos artísticos más complejos. Para ello, empecé a ver trabajar a diferentes fotógrafos. Pasaba varias horas al día averiguando qué hacían y cómo lo hacían. Por ejemplo, miraba la dirección de la luz, la suavidad de las sombras, la temperatura y el color de las imágenes y era extremadamente crítico con lo que veía. Como ya conocía las reglas de la fotografía, pude enfocarme en cómo lograban el lado artístico. Con el tiempo, empecé a entender el proceso de decisión detrás de los diferentes estilos y las ideas que entraban en cada imagen. Adquirir el hábito de la observación es probablemente la parte más importante de convertirse en un iluminador CG. Tienes que usar tu ojo, entrenar tu vista y construir un criterio. Cuando trabajo en mis tomas, constantemente me remito a lo que he aprendido sobre fotografía y lo uso para justificar mis decisiones. En otras palabras, prefiero trabajar con mis ojos y mi cerebro en lugar de trabajar con mis manos y mi software. Una de las primeras cosas que tienes que saber cuando trabajas con cualquier toma CG es que tu público va a mirar tu imagen final como si fuera una toma de una cámara. Este concepto es imperativo porque si haces algo para arruinar esa ilusión, tu trabajo final será desagradable para ellos, y por la misma razón, no tendrá éxito. Tu trabajo es mantener la ilusión y crear imágenes tan atractivas como creíbles.

Pensando como un fotógrafo: Cuando la observación es más importante que el software
Pensando como un fotógrafo: Cuando la observación es más importante que el software

Mi enfoque de tres pasos para la iluminación

Cuando bloqueo la iluminación, tengo un proceso analítico que me ayuda a entender cómo tiene que funcionar mi imagen. En realidad, es un simple ejercicio para explicar cómo puedes pensar como un fotógrafo en lugar de quedar atrapado entre un montón de términos técnicos. Este proceso se basa en tres pasos principales, y por supuesto, en los fundamentos de la fotografía.

  1. Dirección de la luz y suavidad de la sombra
  2. Exposición a la luz y temperatura (color)
  3. Contraste y saturación

Puedes usar cualquier software para incorporar cada una de ellas. Piensa en ellos como una forma de entender y traducir la fotografía en tus tomas CG.

Dirección de la luz y suavidad de la sombra

El primer paso de mi proceso es definir de dónde viene la luz. ¿Viene a través de la ventana? ¿Es el sol? Este es el tipo de preguntas que me hago para determinar la dirección de la luz en una toma. Una vez que averiguo la dirección, trabajo en la suavidad de las sombras. ¿Son extremadamente borrosas? ¿Son nítidas? Tal vez a mitad de camino… Normalmente trato de pensar en cómo se verían las sombras de este escenario en particular en la vida real y luego lo recreo en el software. Otra cosa que siempre ayuda es reunir muchas referencias fotográficas para la toma. La dirección de la luz y la suavidad de las sombras es el primer paso para evocar la hora del día y el estado de ánimo de la escena. Le da dirección a la escena y enfoca la atención del público.

Exposición a la luz y temperatura de la luz

Después de averiguar la dirección y las sombras, definiré la exposición a la luz. Me gusta crear una fuerte relación entre la intensidad de la luz y la oscuridad de las sombras. Cuando trabajas con la exposición a la luz, siempre estás tratando con esas dos cosas. La precisión de una de ellas siempre dependerá de la otra. Un subpaso adicional para esto sería cómo la exposición afecta a la caída, o decadencia, de la luz. Piensa en cómo la exposición controla la vida de la luz en la escena y cómo la energía de la luz se preserva a través de la escena. Esto es crucial para garantizar el realismo y tener resultados físicamente plausibles. Una vez que se establece la exposición, me gusta pasar a definir la temperatura de la luz o el color. La mayoría de los programas de software actuales ofrecen una forma sencilla de introducir un valor, generalmente utilizando la escala Kelvin para que puedas hacer coincidir las temperaturas reales de la luz en tus escenas tridimensionales. Naturalmente, cuando tienes una luz de temperatura cálida, tus sombras estarán en el lado más frío del espectro y viceversa. Esto creará una agradable e interesante transición de luz y volumen para tus objetos iluminados.

Contraste y saturación

El contraste y la saturación se trata de crear un ritmo para la lectura de la imagen. Por lo general, yo trabajo con esto en la compilación y trato de definir los valores correctos para las diferentes áreas de mis imágenes. En el caso de estas dos, están unidas, así que cuando cambias una, inevitablemente modificarás la otra. Este es uno de los últimos toques a tus imágenes para ayudar a darle equilibrio. Es la parte de corrección de color del proceso y es cuando todo se une. Durante este paso, prestaré mucha atención a la relación entre los espacios y cómo afectaría el contraste y la saturación. Por ejemplo, dependiendo de su distancia de la cámara, la luminancia y el color de un objeto cambian. Usa esto para averiguar cómo puede dar algo de dinamismo a la imagen final. En conclusión, trabajar como un iluminador es un delicado equilibrio entre tener una fuerte habilidad técnica y un fuerte sentido de la observación. Por supuesto, hay que conocer el software, pero en mi experiencia, los encendedores más sorprendentes siempre confían más en sus ojos que en su conocimiento de cualquier software en particular. Otra cosa en la que hay que pensar es en el hecho de que el software y las herramientas están evolucionando muy rápidamente y la curva de aprendizaje de los mismos es increíblemente rápida. Sin embargo, el proceso de entrenamiento de la vista no es algo que se pueda hacer tan rápido como aprender un nuevo software. Es un proceso autodidacta que requiere práctica diaria y que aún puede llevar años aprender. Tienes que amar la observación y querer traducirla a este lenguaje de la fotografía y la cinematografía. En la fotografía, la cámara hace una cantidad mínima de tomas. Es realmente el ajuste fino del ojo de un fotógrafo que captura y crea una pieza de arte notable. Del mismo modo, el software de CG es sólo una herramienta, la técnica, y el equivalente de una cámara, pero su ojo entrenado se vuelve invaluable a la hora de crear imágenes. Tu ojo entrenado e ideas fotográficas harán que tu trabajo de CG se vea y se sienta como algo que ningún software puede lograr. Roger Deakins dijo, “No te distraigas con la técnica”. Esto no podría ser más cierto para la iluminación CG. Los artistas que piensan como un fotógrafo, como un cinematógrafo, tienen la capacidad de ver escenarios y escenas para evocar una historia. No importa qué software use, verá una composición final de color y luz. Verás una imagen final en lugar de algunos valores almacenados en un ordenador.

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