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La mayoría, si no todos, los elementos de la producción de películas y videos narrativos están diseñados para servir a la historia. La escenografía crea trajes y locales creíbles. La iluminación puede alterar el ambiente de una escena, y el diseño de sonido puede crear suspenso o drama. En una producción efectiva, todos estos elementos trabajan juntos para contar la historia. La cinematografía funciona de la misma manera. Ya sean los movimientos de la cámara, las composiciones de las tomas o incluso el tipo de lente que elijas, todas estas decisiones influyen en la forma en que el público reacciona y comprende tu historia y tus personajes.Pixar el director de fotografía, Patrick Lin, explicó recientemente en una charla de SIGGRAPH cómo él y su equipo de maquetación ayudaron a desarrollar la estructura de la cámara de Inside Out. Lin define la estructura de la cámara como «una forma de organizar todos los elementos visuales [de una película] en algo coherente que pueda apoyar la historia y las emociones de los personajes». También explicó que la estructura de cámara se compone de 3 partes: Entender el enfoque de Pixar sobre la estructura de cámara puede ayudarte a aplicar similares a tus propios proyectos, ya sean animados o de acción en vivo. Recientemente, tuvimos la oportunidad de charlar con Lin sobre la estructura de la cámara dentro de Inside Out. Escucha nuestro podcast con Lin abajo, o sigue leyendo para obtener una sinopsis de la discusión de Lin. [Advertencia: Contiene spoilers]
Lenguaje de la cámara
El lenguaje de tu cámara determina esencialmente cómo quieres que tu cámara se comunique o «hable» con la audiencia. Por ejemplo, el lenguaje de tu cámara puede depender de una longitud de lente específica o de la duración de la toma (ej.: medio, primeros planos, etc.). Dado que la historia de Inside Out tiene lugar en dos mundos muy diferentes, (es decir, el mundo interior frente al mundo exterior), Lin quería que el lenguaje de la cámara profundizara este contraste. Ampliar la distinción también ayudaría a la audiencia a entender cuándo están en un mundo frente al otro.Lin y su equipo diseñaron dos lenguajes de cámara de distinción, uno basado en la perfección y el otro en la imperfección. La idea era que el mundo exterior de la película es real y por lo tanto debería sentirse imperfecto y defectuoso. Por el contrario, el mundo interno de la mente de Riley se caracteriza por ser virtual e imaginario y por lo tanto podría ser perfecto. [Subtítulo Comparación de los dos lenguajes de cámara de la película]
Mundo exterior
El equipo de Pixar inscribió las escenas del mundo exterior (es decir, San Francisco y Minnesota) con fallas al incorporar distorsiones de lentes y errores de tiro de foco. También usaron movimientos de cámara más orgánicos y cinéticos para las miradas de steadicam y de mano. Las trayectorias de la cámara también eran menos determinadas, pareciendo vagar por un espacio sin una trayectoria definida.
Mundo interior
Por el contrario, el mundo mental de Riley se veía con menos distorsión de lentes y más en foco. Lo que es más, los movimientos de la cámara eran mucho más parecidos a los del estudio. El resultado era normalmente una toma de una carretilla, una pista, una pluma o una grúa con un movimiento fluido y mecánico que era más predecible.
Progresión de la intensidad visual
Aunque contrastar estos dos estilos visuales diferentes puede no parecer innovador, su ejecución a lo largo de toda la película ciertamente tuvo un enfoque único. El equipo de Lin cambió los dos lenguajes visuales para reflejar el arco emocional cambiante de Riley y Joy a lo largo de la historia. A medida que la intensidad emocional progresaba, los contrastes en los dos lenguajes de la cámara se hacían más profundos. A veces los estilos visuales de los dos mundos diferían poco, otras veces era muy notorio. El equipo trazó meticulosamente su plan de cámara para que coincidiera con los diferentes actos de la historia.
Acto I
A lo largo del primer acto, el mundo de Riley es relativamente estable. Aún no ha sentido la agitación emocional de avergonzarse en clase o caerse en las pruebas de hockey. Para reflejar su estabilidad emocional, el equipo utilizó el estilo del estudio, cámara mecánica para las tomas «interiores» del pequeño mundo de Joy, escondida de forma segura dentro de la sala de control. [Pie de foto El creciente contraste a lo largo del tiempo entre los diferentes lenguajes de la cámara. El mundo exterior de Riley se ve de una manera similar a las tomas de Steadicam. Sin embargo, se utilizaron más aleatorias para ilustrar su mayoría de edad y su libertad. En general, los dos lenguajes de cámara para el Acto I aparecen en sincronía y bastante unificados, con poca diferencia visual entre el mundo interior y exterior de Riley.
Ley II
Pronto los problemas de Riley en casa y en la escuela empiezan a dejarla apática y deprimida. Empieza a alejarse de sus padres, y sus emociones se vuelven «reprimidas e inestables», según Lin. En respuesta, la cámara del mundo exterior se queda sin movimiento espacial, bloqueada en el trípode y limitada al movimiento horizontal y vertical. En este punto, explica Lin, el primer uso de la atracción del enfoque imperfecto ocurre durante la prueba de hockey. «Como la cámara», afirma, «Riley se ha desenfocado en su práctica de hockey». [Pie de foto Por un breve instante, la atracción del foco está fuera en esta escena. Disney, Todos los derechos reservados, Disney EntertainmentA medida que la narración avanza hacia el segundo acto, el contraste entre el lenguaje de las dos cámaras comienza a ampliarse. A medida que Joy y Sadness se pierden cada vez más en el laberíntico mundo de la mente de Riley, su cámara se vuelve mucho más ágil, moviéndose a través del espacio con más rapidez.
Ley III
Por el Acta III los dos idiomas han cambiado completamente. La caída de Joy en el Basurero de la Memoria con Bing Bong junto con Riley huyendo de su casa son los momentos más intensos de la película. Movimientos mecánicos de barrido siguen a Joy mientras continúa su viaje de vuelta al Centro de Control mientras una cámara de mano más caótica sigue a Riley mientras sube al autobús con destino a Minnesota.Lin explica la motivación detrás del cambio: «Riley está huyendo y no siente que su familia la apoye, así que usamos una cámara de mano» para reforzar este sentimiento. Finalmente, la resolución de la historia termina con el regreso de Joy y Sadness y la reconciliación de Riley y sus padres. Ambas familias se han unido con estabilidad y equilibrio volviendo a ambos mundos. La resolución se representa visualmente a través de la mezcla de los dos lenguajes de la cámara: la escena comienza con un plano de steadicam (es decir, el mundo exterior) y pasa a un plano de grúa (es decir, el mundo interior) que se aleja suavemente de la acción.Lin explica que antes de esta escena los dos estilos nunca se habían mezclado y que el propósito de la escena era «simbolizar la armonía del mundo interior y exterior»
Progresión de la escala
La progresión de la escala implica expresar el tamaño del mundo desde la perspectiva de un personaje. De nuevo, la diferencia de tamaño del mundo interior y exterior se alterna a medida que la historia progresa. Para afectar la escala percibida de los diferentes espacios, Lin y su equipo utilizaron la composición, el encuadre y fuertes líneas horizontales y verticales para crear una sensación de apertura y de encierro respectivamente. [Pie de foto Fuertes líneas horizontales desde la valla y el estanque crean una sensación de apertura en esta feliz escena familiar. © Disney, Todos los derechos reservados, Disney EntertainmentAl comienzo de la película, Riley se muestra creciendo en Minnesota. Su mundo es grande, amplio y abierto. Fuertes líneas horizontales enmarcan estas escenas, ya que las tomas largas la muestran rodeada de mucho espacio. Sin embargo, después de mudarse a San Francisco, su mundo más urbano se hace más pequeño y más cerrado con fuertes líneas verticales que la enmarcan constantemente. A medida que aumenta la intensidad emocional de las escenas, esta estrategia de encuadre vertical también aumenta, apretándola en compartimentos más estrechos hasta la escena climática del autobús, cuando está completamente sola.[Pie de foto Una abundancia de líneas verticales componen esta imagen durante uno de los momentos más intensos emocionalmente de Riley. TM & © Disney, Todos los derechos reservados, Disney Entertainment.[/caption]En contraste directo, el mundo de Joy comienza en el pequeño y confinado espacio del Centro de Control. Sólo después de que ella y Sadness son succionados fuera del cuartel general, el mundo interior se convierte en un espacio abierto increíblemente grande. Similar al mundo exterior, el mundo de Joy continúa expandiéndose hasta el momento culminante de la historia cuando ella cae en el insondable Basurero de la Memoria. Según Lin, este momento contiene la toma más amplia de la película.
Conclusión
El ejemplo de Inside Out muestra cómo crear un tema específico para el proyecto y luego ajustar la cinematografía para que refleje ese tema. En este caso, Pixar utilizó fuertes contrastes para ayudar a identificar los diferentes mundos y para ayudar a apoyar y reflejar la intensidad emocional de los personajes. Para hacer esto de manera efectiva, es útil saber qué elementos específicos de la cámara física «dicen» sobre un estado emocional de los personajes. Por ejemplo, las líneas horizontales pueden comunicar una «apertura» física y mental, mientras que las líneas verticales pueden ayudar a sugerir que un personaje se siente encerrado, pequeño o atrapado. Estos ejemplos, por supuesto, representan sólo un elemento (es decir, la cinematografía) de un proyecto total. Cuando se usan en conjunto con la escenografía, los esquemas de color, el bloqueo, el sonido y otros, el efecto general se amplifica.
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