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El director de UP de Pixar, Pete Docter, fue entrevistado recientemente por la CNN sobre la nueva película del estudio, Inside Out, que examina los sentimientos dentro de la cabeza de una niña de 11 años. De una manera extrañamente similar, la entrevista de Docter sobre la película también proporciona una interesante mirada dentro de la mente de un animador consumado y talentoso. Aquí hay tres valiosas pepitas de sabiduría que Docter compartió durante la entrevista y que pueden ayudar a cualquier nivel de animador.
Usar las experiencias humanas universales
La idea es conectar emocionalmente a tu audiencia con tus personajes, sin importar lo diferentes que sean. Una de las mejores maneras de conectar emocionalmente es usar temas universales y experiencias comunes. Temas como la individualidad, la muerte, la mayoría de edad, la inocencia, la lealtad, la relación padre-hijo son todas emociones y experiencias humanas comunes. Puedes pensar en los temas universales como narraciones ya escritas y preempaquetadas que proporcionan información de fondo y motivación para tus personajes. Por ejemplo, Docter utiliza varios de estos temas en la secuencia inicial de UP para ayudar a la audiencia a conectarse emocionalmente. Durante la secuencia, vemos la relación de Ellie y Carl, desde la adolescencia hasta la vejez, ¡en sólo 8 o 9 minutos! Sin embargo, la cantidad de caracterización y conexión emocional creada es impresionante. Una razón de la eficacia de la secuencia es su dependencia de las experiencias humanas universales para ayudar a «contar» la historia de Ellie y Carl. La historia corta es esencialmente el ciclo de vida de una persona, desde el nacimiento hasta la muerte (es decir, Ellie), algo que la mayoría de nosotros ya entendemos. Además, también hay temas de amor, amistad, aventura, mayoría de edad, inocencia y sacrificio. Todos son «historias» o metanarrativas conocidas de antemano que ayudan a dar cuerpo a la historia real a la vez que motivan las acciones de los personajes.[caption © Disney, All Rights Reserved, Disney EntertainmentLa prueba de la eficacia del enfoque de Docter es evidente dentro del hecho de que se dice muy poco en realidad dentro de toda la secuencia inicial, especialmente después de la boda de Ellie y Carl. La historia se cuenta casi exclusivamente a través de las acciones de los personajes (es decir, la animación) y la ambientación, mientras que los temas universales ayudan a llenar los vacíos de la narración y provocan respuestas emocionales en el público.
Ejercicio de proyección de personalidades
La tendencia de la infancia a imbuir sentimientos y emociones en objetos inanimados es una parte esencial de la narración de historias animadas. Toda la franquicia de Toy Story se basa en esta premisa. Sin embargo, como sugiere Docter, los buenos animadores nunca pierden esta habilidad/fascinación de antropomorfizar objetos o de entender lo que sus acciones pueden «decir» a una audiencia. Todos los objetos suelen tener algún tipo de significado social conectado a ellos.[caption © Disney, Todos los derechos reservados, ©2015 Taller del SésamoTomemos por ejemplo un cubo de basura frente a una tetera. ¿Qué tipo de personalidad crearía para cada uno? ¿Qué género les asignaría? Probablemente la mayoría de nosotros tendría aproximadamente la misma respuesta: el basurero sería masculino y vulgar mientras que la tetera sería femenina y delicada. Para la mayoría de nosotros, estos rasgos de personalidad parecen corresponder a nuestra comprensión de lo que es una papelera y una tetera. Por supuesto, esto va para los caracteres humanos también. Durante la entrevista, Docter demuestra cómo el estudio utilizó estos valores culturales al crear los personajes de Inside Out: Anger and Fear (6:30-7:30). «Intentamos empezar con formas simples porque buscamos una especie de esencia. Así que Ira es este cuadrado, es como un ladrillo. Se centra en las cejas porque trata de mantenerlo todo dentro. Yo mantendría sus brazos dentro de la forma del cuerpo porque se va a enojar. Está tratando de mantenerlo dentro y no explotar.»La explicación del director muestra cómo algo tan simple como una forma contiene valores culturales específicos: un cuadrado es nervioso, abrasivo, agresivo, que contiene (ira), etc. Por supuesto, el florete de la ira es el miedo que, no es de extrañar, tiene una apariencia completamente opuesta: largo, delgado, delgado, con ojos de insecto y corbata de lazo. Es esencial que los animadores fomenten la conciencia de los tipos de valores sociales que se colocan en las cosas y las personas. Normalmente esto significa prestar atención a la forma en que los objetos y personajes se utilizan dentro de otras formas de arte y entretenimiento. Es por eso que ver otros animadores y películas animadas es una de las mejores maneras de crecer como artista. Sin embargo, también es importante escuchar a la gente real, especialmente cuando se trata de nuevos artefactos culturales como nuevas ocupaciones, generaciones de personas, dispositivos tecnológicos, etc. ¿Qué tipo de personalidad tendría un iPhone? Notarán en la cita de Docter que compara la forma cuadrada de Anger con un «ladrillo». Eso es porque los ladrillos se asocian a menudo con la agresión y el peligro, especialmente en el mundo de los dibujos animados. El uso de técnicas de brainstorming como la escritura libre o la asociación libre puede ayudarte a hacer este tipo de conexiones y generar nuevas ideas para animar personajes.[caption © Disney, Todos los derechos reservados, Disney Entertainment
Empieza con la motivación
Lo que Docter está diciendo esencialmente es que la motivación del personaje siempre debe preceder a la animación. A menudo oirás a un verdadero actor preguntarle al director: «¿Cuál es la motivación de mi personaje en esta escena?» Es decir, qué desea mi personaje. ¿Es para escapar? ¿Enamorarse? ¿Tal vez es para cumplir una promesa? Saber qué es lo que motiva a un personaje primero ayudará a tomar muchas de las decisiones de actuación para el actor. Dado que la animación es simplemente una actuación indirecta en cierto modo, se deben considerar las mismas motivaciones.La idea de motivación antes de la animación es similar a los temas universales con respecto a la conexión con su público. El público debe ser capaz de verse reflejado en los sentimientos y motivaciones de sus personajes. «Verse» a sí mismos, por supuesto, no significa simplemente que reconozcan los movimientos físicos del personaje como realistas. Más bien lo que están midiendo es si los sentimientos y reacciones del personaje están motivados de forma realista («¡Así es exactamente como yo también me sentiría!»). Por supuesto, la forma de transmitir estas emociones y sentimientos es a través de lo que tu personaje dice y hace (es decir, la animación), pero es esencial empezar con lo que desean primero si quieres que sea más auténtico. A menudo es una buena idea actuar la escena de tu personaje tú mismo y grabar un vídeo de tu actuación. Muchas veces se pueden captar sutilezas que de otra manera no se habrían notado, ya sea una cierta forma de parpadear, movimientos de la mano, etc. Estas sutilezas pueden hablar más fuerte que las acciones normales si transmiten correctamente la motivación. Incluso los movimientos excesivamente exagerados de los dibujos animados pueden beneficiarse de estos toques realistas.
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